Recuperando la Memoria Histórica: de Gerardi a la Isla

Sí... pensé en dejar el bló. Dejar este despepute que cuando menos lo senti ya tenía vida propia y dedicarme a cosas más serias (no, en serio). Además un chingo de gente ya me desenmascaró y bue... eso le quita un poco de alegría al asunto. Encima de todo hubo un amotinamiento entre mis yos y el verdadero y otro abrieron bló también... pinches perros. Pero bueno, luego de una etapa de retiro - retorno como la que hizo Kant, Lenin y Tiger Woods regreso a esta ¿mi? ¿su? ¿nuestra? chingadera llamada formalmente el despepute y vulgarmente el bló de un patojo (me quiero sentir bien a pesar de mis canas) que no tenía ni mierda que hacer y escribía un chingo y ahora que está ocupado no escribe ni mierda. Pero tiempo, tiempo, estamos de vuelta y vamos a ir de poquito a poco como un efecto de bola de nieve hasta que el calentamiento global chingue todo (si lo dejamos claro).


No he visto tantas pelis como antes en estos días, pero si fui a la presentación de la lica de Gerardi y a la de La Isla (hoy precisamente, yo era el pizado de camisa celeste y pantalón negro).

Gerardi resultó ser una película altamente diplomática que quiso quedar bien con Dios y el Diablo. Esto me sorprendió mucho tomando en cuenta que la misma fue hecha a petición de la Organización de Derechos Humanos del Arzobispado de Guatemala (ODHAG) que ha sido caracterizada por ser su valentía frente a las violaciones a los derechos humanos cometidas en este país. La película empezó mal, luego fue mejorando pero pierde fuerza y termina siendo una lica que no llenó mis expectativas.

La Isla me gustó mucho más. Me pareció un docu-filme muy atinado que tiene el propósito de sembrar una semilla de curiosidad y duda sobre nuestra historia reciente en las nuevas generaciones que carecen de memoria histórica. Si bien muchos esperaban más detalles o que la película revelará nombres o denunciara más hechos, creo que logra su objetivo.

Pero veamos el vaso medio lleno, a pesar de TODO se está haciendo más cine en Guatemala y se denuncian más cosas que antes muchos no se atrevían.

PD: los llego a visitar pronto, muuuy pronto.

El Pianista (de Kubrick a Fazio)

Empezemos con un breve paseo por las ramas, antes de hablar de la lica...

En el documental Lost Kubrick (2007), Sydney Pollack (1934 - 2008) relataba como el gran maestro del cine podía pasar meses filmando la misma escena "una escena que para todos no era crucial en la película, pero para él todas las escenas lo eran". El perfeccionismo de Stanley Kubrick (1928 - 1999) era notorio, al punto de torturar psicológicamente a los actores y equipo con tal de lograr filmar una copia exacta de la secuencia de imágenes que tenía en mente. El mencionado documental busca respuestas sobre como es que un director tan genial como Kubrick haya filmado tan solo 16 películas en un poco menos de 50 años a pesar de haber trabajado en casi el doble de guiones. ¿Por qué no llevó a la pantalla grande esas otras películas? El documental va recogiendo los testimonios de colegas y amigos para responder esto. Uno de los proyectos era el guión para una película sobre el holocausto con el título tentativo de Los Papeles Arios.

Kubrick pasó años investigando tan macabro acontecimiento histórico que incluso se vio emocionalmente afectado. Cuando finalmente quiso abordar el proyecto, luego de hacerse con los derechos de la novela War Time Lies, se enteró que Steven Spielberg estaba terminando La lista de Schindler y por lo tanto Kubrick decidió esperar. Luego, dicen, que un meses antes de su muerte quiso relanzar el proyecto para dicha película cuando se entero que Roman Polanski había adquirido los derechos del controversial libro que recogía las memorias del pianista Wladyslaw Szpilman, originalmente llamado Muerte de una Ciudad que narraba sus vivencias en el Gueto de Varsovia. Dicen, aunque su cuñado lo niega, que Kubrick al enterarse del proyecto de Polanski, guardo bajo llave el guión para Los Papeles Arios aduciendo que no podría hacer algo superior a lo que está por venir.

... así dicen.

En lo personal, considero que Kubrick está un par de escalones arriba de Polanski pero hay un detalle del cual se habló bastante a inicios de este siglo sobre la película El Pianista, hasta que punto será esta basada en la biografía de Szpillman y también en la biografía del propio Polanski que de niño vivió en el Gueto de Cracovia, fue separado de sus padres (su madre murió en Auschwitz) y a los diez años escapó del gueto y vivió escondido y ayudado por otras familias, una historia similar a la de Szpilman solo que este último lo hizo como adulto y no como niño. Se habló bastante sobre ese proyecto y las espectativas eran altísimas, iba a ser sin duda el proyecto más personal del controversial director.

El Pianista (2002) narra la toma, el control y la destrucción de Varsovia a manos de los nazis y lucha por sobrevivir del pianista Wladyslaw Szpilman. En dos horas y media la lica narra los larguísimos y terribles años en los que el pianista ve como su mundo se derrumba: su trabajo, su ciudad, su familia y luego muestra las angustias de vivir el día a día sabiendo que la muerte es su sombra. El espectador ve en la pantalla los horrores de la guerra y la segregación y humillación a la que fueron sometidos cientos de miles de polacos judíos y no-judíos (al igual que millones de europeos en aquella época) pero lo hace desde la comodidad y seguridad de su butaca en la sala de cine o en su hogar. Pensar que Szpilman observó esto mientras se escondía de la brutal persecución, mientras los estruendos de metralletas, fusiles y pistolas Luger lo ensordecían y fue el hambre y no una bala alemana la que casi le quita la vida. La fotografía y los escenarios son probablemente el gran legado de Polanski a la película, estos muestran una ciudad en ruinas post-apocalíptica que seguramente también se asimila a las imágenes que Polanski vio de jóven en Cracovia. Entre tantas imágenes de horror se entremezcla la belleza de la música, es ahí en donde vemos los grandes contrastes de la humanidad "capaz de producir los sueños más bellos y las peores pesadillas": imégenes de destrucción, miseria y muerte acompañadas de los más dulces pasajes de la Sonata Claro de Luna de Beethoven y la Nocturna 20 de Chopin entre otras. Escalofriante. Sin embargo, el mayor logro de Polanski con El Pianista, es haberse mantenido fiel a la obra de Szpilman presentando un relato no adulterado por su experiencia personal y reflejando los aspectos más controversiales del libro (No todos los alemanes eran malos y peor aún, no todos los oprimidos eran buenos. W. Szpilman, 1945) de una forma tan sutil que al final de la misma uno aplaude en vez de quejarse.


Exactamente hoy hace un año, Roman Polanski dio una entrevista en televisión abierta como invitado en el programa de entrevistas más popular de la televisión italiana Che tempo che fa una rarísima mezcla de burda comedia italiana y contenido cultural de primer orden bajo un formato más apto para una presentación de Cirque de Soleil que un programa de entrevistas. Pero funciona. Llegó Polanski a la entrevista, bastante comodo, traje negro y camisa blanca sin corbata. La platica fue muy amena, sobre su obra, sus grandes proyectos en los Yunaité y sus proyectos más discretos pero que dejaron huella en Europa. Respondió a las preguntas de Fabio Fazio con mucha tranquilidad y sentido del humor, y en eso llegron a discutir El Pianista y Fazio, quien no toco los aspectos escabrosos de su vida personal (la muerte de su esposa, el caso de violación), si le hizo le lanzó la pregunta que todos se hacían en las vísperas del estreno de El Pianista. Le pregunta por qué en la película dejo una escena en la que un niño roba comida y cuando intenta regresar por debajo del alambre espigado que separa al gueto, es sorprendido por soldados nazis quienes brutalmente lo matan a palos y patadas. ¿Por qué no decidió salvar a ese niño en la película, tal como usted se salvo de niño? Suelta la bomba Fazio. Polanski, se queda callado unos segundos con una mirada reflexiva, casi como haciendo historia. Y responde frio y tajante La película esta basada en un libro en donde cuento la historia de lo que el autor vio, es su historia no la mia. Y así lo deja. La película ganadora de tres Oscars, dos Baftas, siete Césars, un Goya y una Palma de Oro es según el autor la historia de Szpilman vista por los ojos del mismo y no de Polanski. ¿Un gesto humilde o una pincelada de genio? Lástima que ya no tenemos a Kubrick para preguntarle.

PD1: He comprobado que una sociedad libre y abierta (así como Carlitos Popper la describió) es la única solución para la salvación de varios perros en San Pedro la Laguna que viven bajo un represivo régimen totalitario que les impide abandonar el pueblo.

PD2: Cuando le pregunte a un lugareño sobre el Lago de Atitlán, bajo la cabeza y me respondió "Ya no".

Fotos: gugul y la segunda de Polanski en Che Tempo Che Fa, cortesía Getty Images.

La Novena Puerta

Sobre mi chance puedo decir que estoy contento. Es la palabra que mejor encaja. No es un chance de 8 a 4 ó 9 a 5, mi huevo... ya sufrí una de esas chingaderas que pagaba cuatro cifras (del tio sam) pero que nunca pude gozar y tan rápido como vinieron igualmente se fueron. Estoy contento con mis actuales cuatro cifras (nacionales) pero claro, siempre se aspira a más. Trabajo de y con libros, no todos de mi agrado, pero peor sería (para mi, a huevos) trabajar con números y reportes elaborados en lujososas oficinas de alguno de los mega edificios de la zona 10 o 14. Se aspira a más decía, pués mis horarios flexibles e inmensa libertad de chance tampoco me garantizan un sueldo fijo, es más con suerte y recibo mi cheque 11 meses del año, por lo general me pagan solo 10. No me quejo, pero aspiro particularmente a formalizar ese sueldo y basta de ahí seguir trabajando de y con los libros... ¡ah bueno! me encantaría que dichos libros fueran todos de mi agrado... a eso también aspiro. Dicho esto, la trama de la lica de Polanski La Novena Puerta atrae a todos los que somos aficionados a los libros con tan solo decir (traducción despeputada) "Un comerciante de libros raros es contratado para verificar las últimas copias de un libro supuestamente escrito por el diablo y se involucra en una conspiración de cáracter supernatural" es más que suficiente como para verla.

Me impresionó que la peli haya sido basada en una novela de Pérez - Reverte El Club Dumas que no he, ni pienso leer, debido a que el trabajo de dicho autor es una cura para mi insmonio (hago enfásis en "mi"). Les digo que me impresionó porque es una lica que realmente me gustó bastante. Se trata del comerciante sin escrúpulos Dean Corso que es contratado por un misterioso millonario, Boris Balkan, para ir a buscar y confirmar la autenticidad de las tres últimas copias de una rarísima edición de "Las Nueve Puertas del Reino de las Tinieblas" escrito por Aristide Torchia en 1666. De dicho libro se dice que fue basado en el "Delomelanicón" una obra escrita por el mismísimo chamuco (ambos libros son ficiticios) y que al decifrar un códico que se encuentra en nueve distintos grabados entonces se puede invocar al cachudo. De esta manera, Corso viaja de sus oficinas en Nueva York y se va a España, Portugal y Francia para encontrar las dos copias existentes del libro (la tercera es la de Balkan) y en el camino se va enrollando en una serie de misteriosos asesinatos y con personajes con aparentes poderes supernaturales.

Los personajes hacen su trabajo, Corso es interpretado muy bien por Johnny Depp y en roles secundarios esta Frank Langella (Balkan); Lena Olin y Emmanuelle Seigner (la mujer de Polanski que también salé en Frenético). Pero sin duda lo mejor de la lica es la estética. Al igual que con La Muerte y la Doncella, la cinematografía es espectacular y el acompañamiento musical también, dos elementos que cualquier cinéfilo agradece y que todo estudiante de cine debe apuntar en sus libretos sobre "como hacer una lica" como referencia al menos. Los paisajes europeos cobran vida para darle un sentido "supernatural" a la película que si bien trata sobre un tema bastante macabro deja al espectador con un agradable sabor de boca.

PD: una más y rematamos con Polanski.

PD2: La Nuit Américaine de F. Truffaut fue una experiencia altamente placentera con grandes derroches de energía pero conteniendo las ganas de gritar y celebrar la felicidad y el amor ;)

PD3: ¿Las corridas de toros son arte o barbarie?

La muerte y la doncella

... ¡¡Charros!! No pues, no estaba ni de viaje, ni chambeando, ni de pelex. Estaba planeando mi boda. El problema es que me ha costado uno y la mitad del otro (los aretes de oro de mi abuela mal pensados) organizar la misma. El salón en Las Vegas cuesta un chingo de los mentados aretes y yo solo un par tengo, no consigo suficientes personas de baja estatura que la hagan de Umpa Lumpas mientras sirven bebidas, resulta que a un condor no se le puede amaestrar, ningún científico tiene planes de clonar cientos de Patos Poc y la vestimenta oficial de Luis XIV "el rey sol" no se alquila... ni con una botella de Ron Zacapa como mordida. Pero no os ahueveis... su amigo virtual, el Kontra (osea Yo) pronto pensará en un plan B. Mientras tanto regreso a este ¿su?, ¿mi?, ¿nosotros?, ¿vosotros? ¿Aqueyos?Despepute.

Basada en la obra homónima de 1991 del exiliado chileno Ariel Dorfman, La muerte y la doncella (1994) representa el retorno de Polanski a la estética y la música como un personajes adicionales de la trama que se entremezclan con los personajes de carne y hueso. Retoma entonces esa línea que lo caracterizó con sus licas de los años sesentas, en particular Los temerarios asesinos de vampiros. No tan sonada como Barrio Chino, El Bebé de Rosemary y El Pianista (prontó, siga dando cliqui cliqui al Despepute), La muerte y la doncella es una película dramática que trata de un tema sumamente delicado y difícil que a nosotros en latinoamérica nos pega muy fuerte: La represión de las dictaduras militares, en particular la tortura.

Con pequeños cambios respecto a la obra de teatro, la película nos cuenta la historia de Paulina Escobar un ama de casa en un país que si bien no es nombrado, puede ser Chile, según la obra de Dorfman o cualquier otro país latino que espera comodamente en su casa de campo a su esposo Gerardo, un abogado. Paulina ve como se aproxima un carro desconocido del cual se baja Gerardo y otro individuo. Resulta que el carro de Gerardo se averió y este señor le dio jalón, al entrar en la casa y escuchar la voz del extraño, el Doctor Roberto Miranda, Paulina esta convencida que este fue su torturador y violador cuando ella fue secuestrada por el régimen fascista que gobernó el país hace varios años. Paulina, armada con una pistola, toma al Dr. Miranda como rehén a pesar que su esposo Gerardo intenta convencerla que está equivocada y que deje a Miranda ir en paz. Paulina insiste en realizar un juicio ahí mismo en su casa contra Roberto Miranda y obliga a Gerardo a que actúe como su abogado defensor.

Así se desarrolla la trama entre tres personajes para determinar la inocencia o culpabilidad del Doctor Roberto Miranda. La película resulta brillante gracias a las actuaciones de Sigourney Weaver como Paulina y del grandioso Ben Kingsley como Roberto Miranda, aunque la actuación de Stuart Wilson como Gerardo también es buena, esta es más bien secundaria. Pero que gran rol el de la fotografía y la música. La primera por presentar un ambiente oscuro y tridimensional que nos transportan virtualmente a sentir los terribles vejámenes que Paulina sufrió en manos de su torturador al mismo tiempo que sentimos la angustia y en momentos queremos creer que Roberto Miranda es inocente. Luego la música, en particular el Cuarteto en Re menor de Schübert, la muerte y la doncella el cual obviamente inspiró a Dorfman. Cuando este suena de fondo mientras Paulina narra lo que sufrió en un calabozo escondido, mientras estaba atada de pies y manos y con los ojos vendados es suficiente para ponerle a cualquiera "la piel de gallina". En mi opinión, si una lica de este director tendría que recomendar es esta, por el mensaje, la estética, las actuaciones, la trama y un excelente final.

PD: Acabo de ver Zabriskie Point de Antonioni y Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón de Almodóvar... ambas experiencias inolvidables y muy placenteras :)

PD2: Se viene el resto de posts a cuentagotas o en catarata... sepa, pero de que se viene, ¡se viene!

PD3: el Kontra se despide del bello y amado Lago de Atitlán en el mundialmente famoso Calzoncitos, Barra Show.

PD4: ¡¡¡ME ENCANTA CUANDO TRIUNFA EL AMOR!!! :)

Frenético

La mayoría de nosotros, por no decir todos, hemos atravesados esas desagradables situaciones en las que sin querer y a pesar de qeu estamos de los más tranquilos cada quien en su rollo, nos vemos envueltos en los pijeos de otras personas. El pijeo puede estar entre una pequeña molestia a una angustia diaria que interrumpe lo que debería ser el principal sentido de nuestras vidas: la felicidad. El problema es cuando esos pijeos provenien de viles personas embarradas de maldad y es ahí cuando sacudirse la externalidad que causan los pijeos de otros, se pone pizado. Un agravante que la pinche Ley de Murphy, el destino, las fuerzas de la naturaleza o como quieran llamarle es cuando a dicho pijeo se le suma nuestra ignorancia sobre como proceder debido al ambiente en el que nos encontramos: no tenemos conectes, estamos fuera de nuestro terruño y simplemente somos unos peones en un desagradable juego de ajedrez. Nos pasá chic@s, nos pasa, a pesar de nuestras mejores intenciones, a pesar de querer llevar nuestras vidas en paz, tranquis, felices... ojos de cangrejo, nos pasa. Como dice la rola de los Audio Bullys Keep on Moving: "yo no buscaba problemas, pero estos me buscaban a mi".

Es precisamente en uno de estos pijeos en los que Harrison Ford, interpretando al Dr. Richard Walker, que llega en compañía de su esposa Sondra para asistir a una conferencia médica. Recién llegados a la ciudad luz, Richard se hecha un regaderazo y al salir no encuentra a Sondra, se empieza a extrañar y después de esperar y preguntar en el hotel se da cuenta que su esposa ha desaparecido. Es aquí cuando este empieza una frenética búsqueda por ella en la ciudad luz. A lo angustioso que resulta ser la desaparición de su esposa, se le suma lo que ya mencionamos el hecho de estar en un territorio desconocido, enfrentándose a fuerzas que ignora y sin su banda que le pueda hechar una mano. Richard va buscando las claves de la desaparición de su esposa cuando se da cuenta que una patoja accidentalmente tomó la maleta de sus esposa en el aeropuerto y ella trabaja para una organziación mafiosa de aquel país quienes tienen las respuestas del paradero de Sondra.

Esta es una de las licas de Polanski que en más ocasiones he visto. El polémico director lográ mantener en vilo al espectador durante gran parte de la película pero principalmente durante los primeros minutos, dado que uno puede sentir la desesperación del personaje de Ford. Habrán un par de situaciones un tanto exageradas pero que al final se perdonan. Nuevamente Polanski logra conjugar elementos que resulat difícil presentar en un largometraje. El suspenso de la trama con escenas muy rápidas y de mucha acción, el estrés de Ford se puede sentir y dentro de todo esto, el papel tan especial que juega Paris en la película, en donde uno se pregunta como puede pasar algo tan desagradable como lo que le pasa al personaje de Ford en una ciudad tan señorial y hermosa. Si bien no fue una lica ganadora de premios, es para mi de lo mejor de Polanski.


PD: Ya muchos me lo han mencioando, asombrados incluso por no conocerlo al Buki en la sexta, el cuaz es ya una leyenda. Lo veo en los comments, en posts, ELLA me habló de él y para más joder ayer en el Granada lo mencionó un don. Son casi siete años que llevo de descargar todo por internet con fines puramente de entretenimiento (nel mano, yo no copio sidis para vender después... aunque lo he pensado) y son pocas, puta, ¡poquísimas! cosas que no he encontrado... entonces recurriré al legendario maistro de la piratería de la sexta para ver si puede encontrar esa trilogía que, para mi marca un antes y después en el cine y esa lica... una pequeña lica de culto, que ha dejado un gran legado muy poco reconocido... veremos que pasa, hay les cuento.

PD2: El Roma - Livorno de hoy, me dejó pensando mucho sobre el fú bol...

Barrio Chino

Estéticamente la mejor lica de Polanski lejos. Nominada a once oscars, de los que solo ganó uno, Barrio Chino es un excelente ejemplo de como se puede lograr una armonía entre los distintos elementos de un largometraje: guión, escenarios, fotografía, edición, personajes, montaje y música. Bárbaro como dicen en el sur. Barrio Chino revive el "cine negro" clásico de los años cincuenta de los Estados Unidos. Películas llenas de intriga en donde sus pecaminosos personajes son motivados por la lujuria, la avaricia y la vanidad. Polanski revive el género y lo hace con tales pinceladas que nos narra una historia de traición, corrupción, lujuria y asesinato en un formato limpio y artístico.

La película narra la historia del detective Jake Gittes interpretado por Jack Nicholson quien es contratado por una mujer para investigar el supuesto amorío de su esposo, el ingeniero en jefe del departamento de agua de Los Ángeles, California. En su investigación, Gittes consigue fotos del ingeniero con quien cree que es su amante pero también descubre los arreglos corruptos entre el ingeniero y otro hombre, un adinerado empresario llamado Noah Cross interpretado por John Huston. Gittes vende las fotos del ingeniero y su supuesta amante solo para descubrir que ella era en efecto su esposa. Al darse cuenta de esto, Gittes se retracta y le pide disculpas a la esposa del ingeniero, la señora Evelyn Mulwray interpretada por Faye Dunaway quien le dice que ella misma sospecha de un supuesto amorío de sus esposo con otra mujer. Gittes le promete averiguar quien fue la mujer que lo contrató. Es durante este nuevo proceso de investigación que el ingeniero Mulwray aparece muerto y ahora Gittes se encuentra en medio de un triangulo amoroso, un asesinato y una red de corrupción que involucra a muchos personajes públicos de la ciudad de Los Ángeles.

Después del éxito del Bebé de Rosemary, Polansky lográ cimentarse como un gran director en los Estados Unidos (ya era reconocido así del otro lado del charco), pero Barrio Chino también catapulta las carreras de Jack Nicholson y Faye Dunaway que a partir de esta película (presentada en 1974) son considerados para interpretar los personajes por los que ganan sus primeros Oscar (Nicholson en el 75 y Dunaway en el 77). Irónicamente, justo en el momento en el que Jolyubud está a los pies de Polanski es cuando surge el escándalo por violación a una menor, en el cual, ojo, él mismo reconoce su culpabilidad y después huyé de los Estados Unidos para jamás regresar.


PD: no se de ustedes pero este martes revolucionario a mi me cayó de perlas para recuperar el sueño perdido y recargar baterías.

El bebé de Rosemary

Nel muchá, esta pinche película si da miedo y lo demás son pajas. Aclaro, no es de esas licas de horror que uno puede disfrutar en compañía de su pareja (ella o el) en la que ella o el se asusta y se acurruca a la par suya buscando protección en el hombro y pecho de ustedes. Mejor aún, si el o ella se queda a dormir, pués entre los brazos y empiernados será (lo que pase después lo dejo a sus imachineishon). Pero ojos de cangrejo si eso pasa con esta peli cabrona. El bebé de Rosemary es un thriller de horror que hace un enfásis en el aspecto psicológico y el horror de aquello que "no se ve" pero que el espectador puede "sentir".

La lica narra la historia de Rosemary y Guy Woodhouse, ella un ama de casa y él un actor en busca de empleo que se mudan a un edificio que tiene del cual las malas lenguas cuentan historias de extraños sucesos y personajes. Sus vecinos son una pareja de ancianos meros shutes pero que les hacen la pala a los Woodhouse cuando pueden. Cuando Guy logra conseguir un buen trabajo le propone a Rosemary tener el bebé que siempre han deseado, en la noche que planean concebirlo, Rosemary se desmaya y solo recuerda una pesadilla en la que fue violada por una presencia maligna, una especie de demonio. Luego se entera que esta embarazada y es entonces cuando empieza a sufrir fuertes dolores y siente que algo esta mal. Aquí inicia cierta competencia entre el doctor que la atiende recomendado por sus vecinos ancianos y un doctor amigo que tiene fuertes sospechas de que el tratamiento del embarazo de Rosemary contiene elementos de brujería. Desde su embarazo en adelante podemos ver e incluso sentir el dolor, la angustia y el miedo que Rosemary experimenta sobre lo que está pasando al interior de su cuerpo. El gran mérito de Polanski es lograr que el espctador se ponga en el lugar de Rosemary, una gran interpretación de Mia Farrow.

Después de tres trabajos al hilo con Gérard Brach, Polanski decide trabajar sólo en esta película basada en la novela homónima de Ira Levin. Es también su ópera prima en los Yunaité y la cual lo hace famoso en el medio gringo. Desconozco como fue que se le abrieron las puertas a un director europeo para llegar a los Estados Unidos y con el apoyo de una gran compañía como Paramount Pictures gozar de tanta libertad para hacer la película. Fue definitivamente un riesgo que valió la pena para jolibud y para el mismo Polanski que nuevamente gozó de gran libertad cuando decidió hacer otra gran película seis años más tarde: Barrio Chino.


PD: tanto cine y tan poco tiempo para verlo :(

PD2: ayer (si, ayer) vi al primer zompopo de mayo este año... estaba muerto :(

PD3: si la virtualidad de interné supera la realidá de sus vidas... simplemente apaguen su compu :)

Los temerarios asesinos de vampiros.

Estrenada en 1967 del otro lado del charco como La danza de los Vampiros y luego por estos lares como Los Temerarios asesinos de Vampiros o Disculpe, pero sus dientes están en mi cuello es la tercera colaboarción del duo Brach - Polanski pero la primer comedia. La lica es el básico cliché de un profesor científico y su aprendiz que son presentados como expertos en el área de criaturas misteriosas y lo paranormal que son contratados para investigar una serie de horrorosos fenómenos sin explicación en Transilvania, Rumanía. El profesor es interpretado por Jack MacGowran quien sale en Cul-de-Sac como uno de los dos ladrones y su aprendiz es el mismo Polanski. Desde un principio nos damos cuenta de la ironía y la parodia al ver como tanto el profesor y su aprendíz son altamente torpes y sumamente miedosos. Al llegar a Transylvania, el aprendiz se enamora de la enacantadora Sara quien es interpretada por Sharon Tate (aquí empieza el amorío de la vida real entre Polanski y Tate, que termina trágicamente). Al mismo tiempo se topan con el extraño Conde von Krolock interpretado por Ferdy Mayne y quien es el que se roba la lica por su excelente actuación. Von Krolock, que es la versión fílmica de Drácula secuestra a Sara y es así como nuestros dos héroes emprenden una aventura por rescatarla.

Desde la perspectiva de su servidor la trama y el desarrollo de la lica estan bien como para una tarde lluviosa parecida a las que hemos tenido estos días, pero realmente no es cosa del otro mundo. Hay escenas que dan risa, otras no tanto y unas que son francamente aburridas. Pero hay dos cosas que me llamaron la atención: en el aspecto técnico, la excelente fotografía y escenarios de la película, sin pajas que para ser una lica de 1967 esta parecía ser una obra de arte de impresionista. Los colores son fabulosos y estos se contrastan con escenarios blancos pero llenos de vida (nuestros héroes visitan Transylvania en invierno) y luego las noches de luna llena son presentados con un fuerte tono azul que también es un excelente escenario para el desarrollo de la historia. Solo por esto vale la pena ver la película, es para mi la diferencia de la visión del cine como un arte y la visión comercial del cine. El otro aspecto es que las licas de Polanski (casi todas de las que he visto) requieren de un gran actor o una gran actriz que las cargue, que las lleve a ser una gran película o una película de culto. Pleasence lo hizo con Cul-de-Sac y Mayne los hace con esta. Como vamos a ver más adelante son otros actores también saltan al rescate de licas que pudieron haber quedado empolvándose en alguna bodega.

PD: el nobel de la paz para Obama, que dirán los lunáticos al respecto.

PD2: Saludos a todos menos a la mayoría (en caso de duda planteen un recurso ante la Corte de Constitucionalidad).

Cul-de-Sac

Hace siete años, del otro lado del charco, salía los días viernes del chance (la cocina del viejo Tavistock Grill, hoy Oscars si no me equivoco) después del horario de almuerzo y me iba directo a cachar alguna de las charlas que se organizaban en cualquiera de los Departamentos de la U. Si bien las de Lite e Historia eran bien interesantes no lo eran tanto como las de cine y televisión. La principal razón era porque a pesar de la presencia de grandes académicos y estudiantes del doctorado inmersos de lleno en su investigación, todos nos mirabamos como meros cinéfilos, o sea nada de expertos ni sabios, las vacas sagradas y los simples pelibueyes tenían cabida en el mismo costal. ¡Ojo! No atendía a dichas charlas y talleres exclusivamente por un genuino interés en los temas, sino también porque mi ex iba a los mismos al igual que uno de mis meros broders (Max, yo creo que ya les hablé de ese pizao). Cada lunes o miércoles anunciaban los temas de las charlas o talleres del fin de semana y uno solo dejaba su número de estudiante y su nombre y listo, me recuerdo que Max y yo queríamos hacer uno sobre el cine porno pero era prohíbida la disfusión de material explícito en los centros de proyección de la U, pués esa fue la excusa educada que nos dieron en vez de un ¡Vayanse a la mierda par de pervertidos! En fin, desde entonces la charla From middle-class curiosity to high-class filth: the transatlantic development of pornography permanece engavetada... pero ese es otro despepute. En fin, la cosa es que fue en esas charlas donde discutimos la licas de Roman Polanski y tomando en cuenta el revuelo que ha causado su detención en Suiza, haremos un repaso despeputado de sus licas (las que he visto a huevos).

Podría ir hablando de la primera que vi a la última, pero mejor vamos en orden histórico porque a pesar de que todo esto es un despepute el tiempo nos jode pero igual lo respetamos. Cul-de-Sac (francés para tope o atajo sin salida) es la segunda lica de la pareja Polanski - Brách (director - escritor). Juntos hicieron varias películas que lograban combinar géneros como el horror, la comedia, el suspenso y otros. Su primer colaboración fue Repulsión en 1965 seguida un año después por Cul-de-Sac. Está ultima narra la historia de dos ladrones que están escapando de la tira después de un intento de robar un banco, uno de los ladrones se encuentra herido de gravedad mientras que el otro con cierta indiferencia busca donde refugiarse. Viajando por la costa norte de Inglaterra la marea alta no les deja otra alternativa que refugiarse en una pequeña isla en donde se encuentra un misterioso castillo, ahí deciden esperar a que su jefe llegue a rescatarlos. Los dueños del castillo son una verdadera pareja dispareja: él, un inglés extrovertido y patético y ella, una francesa bien entrona. Al inicio existe una tensión obvia entre la pareja y los ladrones, porque a huevos los primeros no les quieren dar posada a los segundos y estos deciden quedarse por la fuerza. Sin embargo, cuando el ladrón herido muere la relación entre la pareja y el otro ladrón cambia de forma inesperada. La emoción de estar secuestrados, las locuras del marido (interpretado magistralmente por Donald Pleasence), la indiferencia ante todo de la esposa y la perturbadora felicidad y alegría del ladrón que pasa de ser un criminal rudo y abusivo a una especie de bebote que disfruta de la vida en el castillo en compañia de la pareja dispareja mientras todas las normas de convivencia social se derrumban sin que a ninguno de los personajes les importe es lo que más impacta al espectador. Aquí el trailer:

Dos grandes méritos de Polanski en esta lica son lograr una enajenación tal en sus personajes que estos nos divierten a la vez que nos dan lástima e incluso nos causan rechazo. Al mismo tiempo, nos mantenemos en suspenso de lo que podría pasar después entre los tres personajes principales y la presencia de otros personajes, es aquí en donde la película lo atrapa a uno. El desarrollo de la misma es bastante fluído, algo poco común para el cine europeo de la época, pero que cuenta con una muy buena banda sonora y el escenario del castillo frente al Mar del Norte. No les voy a decir que es excelente ni muy buena, es buena, pero en gran parte debido a la presencia de Donald Pleasence que como dijo hace unos días un amigo, "verlo a él vale el precio del boleto".


PD: pinche lluvia solo levanta más calor.

PD2: hubo poca afluencia de mara protestando hoy fuera del ConGrueso pero me llamó la atención ver a algun@s columnist@s "limpiando" el edificio, luego llegó Carlos Castresana de la Cicig al que saludé antes que entrara a reunirse con los jefes de bancadas y le dije Ta piscinas esta chingadera vaa don Castre y me respondió Joer, que si el Atlético sigue así nos vamos al descenso... pinche fú bol.

Nazis, nieve, zombies y sangre... el cine como debe ser.

Después del bodrío que fue Ingloriuos Basterds (¿será que no me gustó?) no hay mejor antídoto que zombies nazis en Noruega. ¡Aguas! el trailer contiene zombies, nieve, sangre, nazis, motosierras, buena música, turistas, oro, hermosos paisajes, parkas, motos de nieve, mara chingando, mara conectando, un viejo hablando, películas de archivo, hachas, martillo, fuego, el himno de la alegría, mara gritando, mara llorando, cachimbazos plomazos y ein, zwei, die! . (después no digan que no les heché aguas)

PD: Iba a escribir el finde pero estaba de mal humor por la derrota de mis equipos el Internazionale y el Chelsea... el fú bol, mi escape del fin de semana.

PD2: Al rato contestamos las preguntas que JL Font hizo en el periódico.

PD3: Al ratote un momento mastercard.

PD4: Al ratotote la araña que salvo la homilia

PD5: El orden de los factores no altera el producto O el producto del orden no altera los factores O el factor del producto no altera el orden...

District 9

El hombre es el lobo del hombre dijo el maje de Tomás Hobbes, claro aquel se basó en esto para hablarnos que el hombre, ante la ausencia de una organización formal institucional que hoy llamamos estado, se encuentra en un estado en donde todo vale, de todos contra todos, un despepute por las malas en el que prevalece la ley del más fuerte y más astuto (la analogía del león y el zorro de su pariente ideológico Maquiavelo). A partir de esta noción del estado natural podemos escribir gigabytes de contendio pero eso mejor se lo dejamos a otros pues porque resultaría redundante hablar de tales despeputes en este despepute. Pero igual podemos tratar el tema desde una perspectiva un cacho mas lait y encapsulada en los 112 minutos de una lica en los que podemos apreciar lo purísima mierda que podemos ser los humanos. Aparte de su objetivo predominante de entretener, el cine nos puede decir un chingarrazal de cosas, pasense por cinecrítica y cine sobre todo dos blós especializados sobre el tema. La lica District 9 (Distrito 9) trata el tema de la segregación, el racismo y la intolerancia desde el género de acción y ciencia ficción cinematográfica, una acción arriesgada pero que resulto exitosa.

La lica básicamente trata de un puto platillo volador que se asienta encima de Johannesburgo, Sudafrica, al estilo de los cacastes metálicos de Día de la independencia o de la "Nave Madre" de Encuentros cercanos del tercer tipo, solo que este con una apariencia más pupusa y no tan intimidante o lleno de luces como los otros dos. Dentro del OVNI encuentran a cientos de miles de extraterrestres que se encuentran en condiciones de vida miserables, entonces los evacúan y los alojan en un campamento de refugiados que denominan Distrito 9. Este campamento es igualito a los que pueden ver en las noticas en la Franja de Gaza o en Sudán. Veinte años después de la llegada de los alienígenas, la nave espacial sigue encima de Johannesburgo sostenida en el aire pero apagada y la banda ya se habituó a los alienígenas a quienes llaman despectivamente Prawns (Camarones). A estos se les prohibé convivir con los humanos a través de una serie de leyes que son reflejadas con rótulos y anuncios alrededor de la ciudad (como en la imagen de arriba). El pijeo es que después de 20 años la población alienígena ha crecido exponencialmente hasta superar el millón. Es ahí donde las autoridades se la ven pizada y contratan a una empresa privada llamada Multinacional Unida (MNU) para que se haga cargo de trasladar a los alienígenas a un campo de refugiados más grande, pero más lejos de la ciudad y a mantenerlos controlados (por no decir segregados de la sociedad). Es durante este proceso de control y traslado que un empleado de MNU tiene contacto directo con la biotecnología de los alienígenas y reflexiona sobre el trato que le dan a los mismos a la vez que es perseguido por sus pares humanos.

La lica hace una fuerte crítica social al mismo tiempo que entremezcla elementos de ciencia ficción y acción. No es la primera vez que el género de ciencia ficción entremezcla historias mensajes sobre como el humano es el principal enemigo de la humanidad. En 1951 se presentó este tema con El día que la Tierra se quedó quieta o cuarenta años después con Terminator 2 pero Distrito 9 se acopla alos tiempos y nos recuerda a todos el oprobioso sistema de apartheid (separación racial) sudafricano disuelto a inicios de los noventa (cabe recordar que durante esta época existía un Distrito 6 en Johannesburgo del cual fueron expulsados 60 mil personas de raza negra). Pero la lica también hace una crítica sobre la discriminación a la que son sujetos los refugiados. Pensemos en el millón de refugiados (de una población de 1.5 millones de palestinos) en la Franja de Gaza y del casi medio millón en Líbano. No solo están sujetos a los brutales controles israelíes (que cuando se les da la gana los dejan sin servicios básicos) sino que también son rechazados por sus "hermanos" egipcios y libaneses. Estas condiciones de rechazo prevalecen hoy en día en la mayoría de gobiernos alrededor del mundo y aquí viene una crítica más, la de la privatización del estado. En la lica, el gobierno sudafricano se hace la bestia con este tema y es así como contrata a una compañía que ejerce la función de gobierno y ejército para los refugiados, quienes tratan a estos con total desprecio y se interesan únicamente en su tecnología militar.

Claro la lica no se salva de controversia, porque a la vez que realiza una critica de todos estos elementos deja en manifiesto los estigmas que prevalecen en Africa y las tres divisiones de esta: el Africa "árabe" (al norte); el Africa "negra" (la sub-sahariana) y el Africa "blanca" (al sur). Esto lo digo al ver como en el Distrito 9 los alienígenas comparten el lugar con inmigrantes nigerianos que son retratados como unos salvajes retrogrados. Otro punto a considerar tomando en cuenta el fuerte racismo que prevalece en aquel continente, no solo racial sino étnico y religioso. A pesar de esto, District 9 es una muy buena lica que logra combinar muy bien los efectos especiales de la ciencia ficción, la acción violenta, puntadas de sentido de humor y transmitir un mensaje crítico.


PD: Pinches calores... ¿Alguien todavía duda del cambio climático?

PD2: En serio (no, en serio) ¿qué putas pasa con la mayoría de las y los columnistas? No hacen falta clases de investigación social, ciencias de la comunicación, moral y ética... hace falta un cubetazo de sentido común y respeto. Hay columnas que promueven cierta violencia encubierta como si el diabólico o el pirulo las hubieran escrito y hay otras que solo me las creería si las firmara El Sombrerón. Menos mal son serios y no despeputados.

Batoru Rowaiaru (Battle Royale)

Si bien hubiese preferido compartir una gallo o una becks; un tapirulazo de indita o un shot de schnaps con Ixmucané y debatir a fondo este tema, me tengo que quedar con su post y los comentarios. Su post sobre las Top 20 licas de Tarantino entre 1992 y el 2009 y sería bueno que se tomen un tiempin para hecahrle un ojo, no solo al post sino que a su blog también que es de mis favoritos porque pone la shola a trabajar. En fin, en dicho post Tarantino menciona sus 20 licas favoritas en el período mencionado y si bien dice que las nombra aleatoriamente reconoce que su favorita es la japonesa Batoru Rowaiaru (Battle Ryale en inglish) que podría traducirse como Real (de realeza vaa) Batalla. Y bueno como le dije a mi estimada y querida cinéfila guatemalteca, en este post despeputaremos la misma.

El trama de la película personalmente lo catalogaría como post-industrial apocalíptico (hace un putazal de años califique igual a la tercera entrega de Mad Max, pero reconozco mi fallo y le quitaría el post-industrial). Explico la terminología primero: por post-industrial no me refiero estrictamente a lo que viene después de la industrialización sino más bien al desencanto generalizado con el desarrollo industrial. Lo de apocalíptico tampoco lo enmarco como una cuestión del fin del mundo ni biblica ni natural sino más bien como una cuestión del fin del humanismo y de la sensibilidad humana.

Dicho lo anterior, hablemos de lo que se trata la pinche lica: Basada en la novela homónima de 1999 de Koushun Takami, la lica se desarrolla en Japón a principios del siglo XXI e inicia con la leyenda que dice (traducción despeputada): En el amanecer del milenio, la nación colpasó. Con quince por ciento de desempleo, diez millones estaban en paro, ochocientos mil estudiantes boicotearon clases. Los adultos perdieron la confianza y, con temor de los jóvenes, proclamaron la Ley de Reforma Educativa del Milenio, conocida como la Ley BR (Battle Royale). Esta ley estipulaba que cada año, jóvenes estudiantes del equivalente nacional a 3ero básico (en su mayoría 15 años) de una clase específica de todo Japón es seleccionada para particiapr en Battle Royale (BR) de acuerdo a la ley mencionada. BR es un puto juego en donde los estudiantes se deben matar unos a otros en un tiempo determinado hasta que quede solamente uno. Si en ese tiempo no hay un ganador todos morirán debido a que les ponen un collar explosivo. La película muestra al grupo de estudiantes que son escogidos y como su profesor interpretado por el brillante Takeshi Beat Kitano les da las instrucciones del macabro juego y luego los deja ir en un isla desierta hasta que solo uno, después de tres días, regrese como el ganador.

Ahora vamos a lo bueno y lo malo, pués porque nos gusta creer que somos justos: Cómo la mayoría de licas japonesas, los aspectos técnicos y artísticos son excelentes. Que oficio el de los ponjas, ¡¡¡mama mía!!! La edición y fotografía son muy buenas incluso en las escenas nocturnas en donde la iluminación se ve natural de luna. Luego las actuaciones son muy buenas, obvio la de Beat Takeshi que es un monstruo del cine ponja, pero también la de los patojos, muchos en efecto de quince años. Ahora sobre la trama debo estar en desacuerdo con mi querida Ixmucané, puesto que considero más bien una crítica no al mundo individualista que vivimos sino más bien a la respuesta política avalada por un colectivo "democrático" para ejercer un control social. Si vemos ejemplos históricos del siglo veinte, nos podemos dar cuenta muchas veces con el aval del "colectivo democrático" se han cometido las matanzas más jueputas de la historia: la Alemania nazi, la Unión Soviética Estalinista o la Camboya de Pol Pot. Si bien, el colapso se debe a los efectos de la Revolución Industrial, las leyes se erigen en nombre del colectivo social (haré una referencia directa a la lica más adelante). Pero la crítica al sistema de "desarrollo" industrial, es válida y digna de reflexión.


Ahora sobre lo malo: fácil, la violencia gráfica (escena en la segunda imagen). Puta mano, esque una cosa es la violencia y la utilización de la misma para transmitir un mensaje crítico de la sociedad o autocrítico para el espectador, pero otra cosa es caer en el morbo de la sangre y del espectáculo burdo. La lica pudo haber funcionado sin ningún problema y con una lto contenido violento solo con la noción de que niños de quince años se van a matar entre si. El ver a quienes un día antes esran compañeros, amigos, novias, novios y luego desconfiar y matarse unos a otros impacta al espectador. Ya se ha visto en otras licas, como El señor de las moscas (Hook: 1990) incluso la cuestión de competencia por sobrevivir en "un futuro no muy lejano" también se trato en El Corredor (Glaser: 1987) pero solo la primera trata la violencia de forma más responsable mientras la segunda como elemento espectacular. El director de BR puso haber seguido la línea de Hook, pero noooo, mi huevo, ojos de cangrejo, mejor veamos fuentes de sangre, ¡¡¡que pizados!!! y en este punto la lica, desde este ángulo, pierde su elemento crítico y le da lugar a un espectáculo estilo video juego.

En su post, Ixmucané, también nos deja un enlace de una entrevista con el director de BR, Kinji Fukasaku. Con el respeto que merece su memoria (falleció en enero del 2003) debo decir que me pareció muy irresponsable de su parte críticar la clasificación que se le dio a su película de "Mayores de 15 años" lo cual considera una censura. Fukasaku considera que su película es una fábula basada en las realidades de Japón a inicios de siglo. Se opone también a la noción que esta tenga sea una advertencia o consejo para los jóvenes. Si bien, las clasificaciones de las películas, según el país pueden caer en cuestiones de censura, Fukasaku comete, en mi opinión (of course, my horse), el error de no evaluar la brecha generacional de sus experiencias como adolescente durante la Segunda Guerra Mundial con aquellas de los jóvenes de entonces, desde la generación X hasta la generación Multi Tasking (Multi Tareas, la actual) que fácilmente anteponen el morbo de la sangre como esencia de la película sobre cualquier comentario sociopolítico que esta pueda tener. Esto resulta irónico puesto que ese es precisamente un tema que la película trata, la brecha generacional entre los adultos y los jóvenes, que es tal que llega a un nivel de confrontación. Pero hacia el final podemos esclarecer el comentario sociopolítico al darnos cuenta como la promulgación de una ley, responde realmente a interéses de la clase política dominante y no de los adultos en si, cuando el mismo personaje que Beat Takeshi resulta ser tan víctima como los estudiantes de esta sociedad post-industrial apocalíptica. En resumen, BR, es una buena película que pudo haber sido una excelente película si le hubiese dejado el morbo por la sangre a las licas B.


Fotos: gugul.


PD: De la censura, se vienen los próximos temas, tanto la gubernamental como la sectorial. Imágenes y palabras.

éramos pocos

La familia no se escoge pero los amigos si. De ahí que se forma la estrecha relación entre amigos y familia. "Aquel lo quiero como un hermano" o "Ella es como mi madre". Claro la familia viene primero, o al menos eso se espera. L@s amig@s van y vienen pero muchos se quedan y para siempre. Sin embargo tanto la familia como los amigos peligran de ser fenómenos sociales en peligro de extinción de acuerdo al desarrollo de las sociedades "informáticas" actuales. La "modernización" según varios exige un reemplazo de las relaciones primarias entre las personas por las relaciones secundarias. Las primeras siendo aquellas en las que los lazos interpersonales son fuertes mientras las segundas en donde dichos lazos se rompen. No solo se dan con familiares y amigos, las relaciones primarias son también propias de la vida en barrios, vecindades y colonias. Al vecino, al carnicero, a la señora de la tienda los conozco personalmente nos ayudamos mutuamente, somos solidarios en nuestros problemas personales - relaciones primarias. Las relaciones secundarias en cambio son características de los sistemas neoliberales basados en el intercambio de bienes más que en los valores humanos: no me importa quien me despacha, lo importante es el producto que me venda o incluso independientemente de lo que haga mi hij@ a los 16 ó 18 se va a estudiar, luego a trabajar, a casar, a tener su familia y se ocupa de encontrarme un buen hogar de ancianos.

El desplazo de las relaciones primarias por las secundarias son una muestra de la modernización nos dicen los defensores de la visión liberal del progreso lineal: hoy estamos mejor que antes y mañana estaremos todavía mejor mi problema es no se sobre quienes hablan, lo que si se es que es muy fácil llegar a dicha conclusión sentado en una oficina de alguna ciudad fría (humanamente hablando). Pero a pesar de dicha modernización, más de algo queda en las sociedades actuales, algún granito de humanismo, de solidaridad entre semejantes, de coperacha, de dar una mano sin pedir nada a cambio, de hacer huevos... ¿o será que me quiero convencer de que así es?

Hace tres años el director español Borja Cobeaga nos regaló una joyita de corto. En 16 minutos el director trata temas como el ocio, la soledad y la vejez en nuestros tiempos a través de la comedia, una divertida historia en la que al final todos ganan.

PD: El Presidente de Mulamala fue quien mejor homenaje le rindió al Rey del Pop.

PD2: No se pierdan las funciones de Las Profanas en el Teatro de Bellas Artes.

PD3: felices domingueadas a tod@s.

Haneke: La pianiste

Hasta la fecha existen dos películas que me han perturbado al mismo tiempo que me parecieron excelentes trabajos cinematográficos, La pianiste (La Pianista o la Profesora de Piano, según su traducción de su título en inglés) es una de ellas. OJO, no se debe confundir con The Piano (El Piano) de Jane Campion ni con The Pianist (El Pianista) de Roman Polanski, las tres muy buenas películas pero La Pianiste de Michael Haneke se encuentra en un mundo aparte. La primera vez que vi La Pianiste fue en el 2002 junto a varios estudiantes de cine. Varios de los presentes, casi una tercera parte abandonó el salón antes que finalizara la película. Tres años después, a pesar de mis advertencias, la insistencia de mi compañera en ese entonces pudo más y la fui a ver una segunda vez a un cine en el corazón de la zona roja de una gran ciudad, al menos esa fue la intención. Tal como lo imaginé, ella no aguantó y junto a otras personas presentes abandonamos la sala mucho antes de los créditos finales. Las otras veces que la he visto, como hoy, fue en la comodidad de mi pieza y en la pantalla de la compu. Les cuento esto con el único objetivo de dejar en claro que esta es una película difícil de ver, putamente difícil de ver. A pesar de esto, La Pianiste es una excelente realización fílmica.

Erica Kohut (magistralmente interpretada por Isabelle Huppert) es una profesora de piano de unos cuarentaytantos años que aún vive con su madre (magistralmente interpretada por Annie Girardot) quien la trata como si esta aún fuera una adolescente malcriada. Erica es una mujer fría con un look anticuado, totalmente carente de gracia, una auténtica papa sin sal como diría la mara y la relación con su controladora madre es una de amor-odio. La película se desarrolla principalmente entre el apartamento de Erica y su madre y en el conservatorio de música donde Erica da clases y trata a sus estudiantes fríamente y en ocasiones con desprecio. A pesar de esto vemos como Erica hace su tiempo para darse sus, y digámoslo con una buena onda exagerada, gustitos. Con horror o escándalo observamos como Erica da rienda suelta a sus deseos y placeres sexuales a través de medios siniestros, sórdidos y aterradoramente extremos. Un día conoce a Walter Klemmer (-y sí, se viene la tripleta - magistralmente interpretado por Benoit Megimel) un arrogante pero talentoso jóven que caprichosamente se enamora de Erica. Al inicio ella lo desdeña hasta que empieza a enamorarse de él y decide darle una oportunidad que degenera en una enfermiza relación masoquista que la afecta a ella física y psicológicamente.


El Marqués de Sade una vez dijo "que el camino al placer pasa por el dolor" y el pornógrafo Christoph Clark una vez dijo "es a través de nuestras más depravadas perversiones que nos damos cuenta quienes somos". Bueno, habría que pedirle a Erica Kohut su opinión sobre la vida, las relaciones y el placer sexual. Eso si para los creyentes una buena persignada antes que ella conteste (para los no creyentes les diría un shot de aguardiente pero no se si todos toman). Sin embargo, La Pianiste no se trata sobre la represión sexual ni tampoco sobre lo engañosas que son las apariencias. Si esa es su conclusión hay que ver más peliculas de Haneke o (me tiro flores) leer de nuevo los tres posts anteriores. La Pianiste presenta a través del shock (y vaya shock mas hijueputa) una nueva crítica a la hipocresía de la sociedad media-alta urbana. Ninguno de los personajes en la película pertenece a un estrato social obrero o blue collar o "de la prole". Al contrario todos son de clase media, media-alta e incluso alta, esas familias de "nombre viejo" como se les dice del otro lado del charco. Todos viven en un mundo cómodo, un mundo de saludos, sonrisas y buenos modales. Haneke nos demuestra a través de Erica el lado oscuro (por no decirles la boca del lobo) detrás de esas sonrisas y buenos modales. Es casi político el asunto: la Austria de Jörg Haider (líder de la extrema derecha de aquel país) o la Austria de Haneke y Jelinek (Elfriede Jelinek, premio nobel de lite. 2004 y autora de la novela en la que se basó esta película).


Al igual que las anteriores películas, La Pianiste está excelentemente confeccionada, pero fluye mejor que las otras tres ya mencionadas. Luego, como pudieron notar, los actores son realmente sobresalientes. Cada uno tiene la capacidad de pasar de un extremo a otro en diferentes partes de la película: de la frialdad a la amabilidad; de la locura a la ternura; de la atracción a la repulsión. Ahora bien, la gran pregunta que ya ha hecho Ixmucané en su bló es sobre la necesidad de recurrir a la violencia extrema o en este caso a las imágenes de shock para transmitir un mensaje. Pensando en su obra, ¿Son realmente necesarias ciertas escenas para lograr la crítica que Haneke hace de la sociedad, la represión, las relaciones, las comunicaciones, la discriminación?

Personalmente creo que hay ocasiones en que una terapia de shock es necesaria. Pensando no solo en un individuo sino en una sociedad, pareciera que es necesario irse a estos extremos para despertar a las personas de sus vacaciones mentales y lograr que se cuestionen no solo sus vidas sino su rol en la sociedad no como clase sino como ciudadanos: parisinos o franceses; vieneses o austríacos; capitalinos o guatemaltecos. La clave, sin embargo, es ver más allá de ese shock o esa violencia. Es vernos retratados en Erica Kohut, en su madre, en Walter Klemmer y tomar una decisión para cambiar y mejorar como personas y como miembros de la sociedad a la que pertenecmos. Es la oportunidad de liberarse del yugo del conservadurismo hipócrita y de apariencias, de un status quo opresor de la misma forma en la que nos gustaría que Erica se libere de los controles cuasi-dictatoriales de su madre y así tal vez logre tener una vida más plena. El cine de Haneke hay que verlo más allá de las imágenes y entenderlo más allá del díalogo. Es un cine que debe ser apreciado no con los sentidos sino con el alma y es por esta razón que creo que el mismo resulta no ser apto para todo público.


PD: En el transcurso de buscar Das Weisse Band, la ganadora de la Palma de Oro a mejor lica, me encontré con otras dos licas de Michael Haneke. Pero esas tal vez quedarán para otro momento, cuando vea la mentada ganadora les contaré.

PD2: Desconoxco la agenda para el fin de semana, pero espero que se lo pasen diahuevo, yo estaré aquí frente a la pantalla, chambeando, pero en los breaks me pasaré por sus covachas virtuales para ver que se cuentan. Saludos a tod@s... menos a mi obviamente ;)

Haneke: Caché

La culpa pesa. La cosa es si pesa más por algo que hicimos o por algo que dejamos de hacer. Lo más fácil es que nos de ese "complejo de avestruz" y zampemos la cabeza en la arena y al sacarla ya todo pasó, ya todo está bien. Evadir la responsabilidad es el camino fácil en la vida del ser humano. A veces pareciera que "hacernos la bestia" es una habilidad tan arraigada en nosotros que casi lo puedo escuchar a Darwin diciendo "¡Ja! Se los dije." Ahora bien, si sumamos todas las culpas individuales, ¿podríamos hablar de una colectiva? ¿Existirá? es posible que un grupo de la sociedad, toda una clase económica privilegiada no sienta culpa ante la situación de las clases desposeídas. es que acaso no existe un sentimiento de culpabilidad ante la indifrencia en la que un grupo trata a otro. ¿Resulta tan fácil deshacerse del malestar social como del individual? Me doy un regaderazo, me tomo dos aspirinas, cierro las cortinas, me acuesto y me duermo. Al despertar el malestar habrá desaparecido.

Si algo tienen las películas de Haneke es que lo dejan pensando a uno. Definitivamente no son el tipo de películas como para ver solo porque uno tiene hueva. Nel pastel, Haneke tiene la capacidad de involucrar al espectador y hacerlo realmente copartícipe de su creación audiovisual. Si a vos te gusta ver una lica sin darle el estartazo a la materia gris entonces vas a odiar las licas de Haneke, si querés reflexionar sobre tu vida y la sociedad en la que vivís, si querés ver más allá de lo que viste en la pantalla, estas licas son de rigor.

Caché (Escondido) cuenta la historia de la familia Laurent, los esposos Anne y Georges y su hijo Pierrot. El papá (Daniel Auteuil) un exitoso presentador de un programa de televisión sobre crítica literaria y la mamá (Juliette Binoche) una profesional que trabaja en una prestigiosa editorial. Los tres viven en un cómodo barrio parisino y es que así es su vida, bastante cómoda. A pesar que no existe gran conversación entre la pareja (más allá de su trabajo), su hijo apenas habla y la gran emoción de sus vidas parece ser invitar a sus amigos a cenar. Haneke nos retrata al burgués urbano promedio, sus vidas ya hechas, ya conformes con todo parece que solo les queda esperar la vejez y después au revoir. La lica es ambientada en Paris, pero cagado de risa la pudo ambientar en cualquier otra urbe del mundo (aussi Guatemala). Ahora bien, desde un principio conocemos a otro protagonista de la película, la cámara. Georges empieza a recibir misteriosos videos que graban la fachada de su casa por horas. Junto con los videos recibe unos dibujos a crayón con imagenes desagradables. Estos videos alteran la "conservadora" vida de los Laurent. Uno de los videos muestra la casa de infancia de Georges y es así como este empieza a recordad un desagradable episodio de su infancia al que se ha esforzado por olvidar. Un alterado Georges acude a la policía sin éxito, luego va a ver a su madre en busca de alguna respuesta y finalmente encuentra a su olvidado hermanastro de la infancia, el hijo de Argelinos, Majid. Con todo el desdén del caso, Georges se ve casi forzado a hacerle frente a la incomoda situación de los videos y su infancia, a lo largo de la película podemos apreciar como Georges, exactamente como un avestruz, desea zampar la cabeza en la arena mientras sus incomodos problemas desaparecen y es esta actitud de indiferencia la que trae terribles consecuencias.

La película nos dice muchas cosas: la comunicación entre tres generaciones (Georges, su madre y su hijo); la comunicación en pareja; el racismo y la intolerancia; la indiferencia de la burguesía (como si todos los problemas del mundo se resolvieran con dinero) pero sobresale la culpabilidad. Pero es esa culpa consciente, esa en la que un acto u omisión del mismo nos deja con la sensación de que alguien nos vio, que alguien sabe lo que hicimos. Ese alguien siendo obviamente nuestra conciencia. La genialidad de Haneke es que no resuelve las situaciones, Caché no es una película en donde una familia "bien" tiene un clavo y al final lo resuelve. Al contrario, Haneke nos deja estas situaciones sin resolver, nos hace las preguntas pero no nos da la respuesta. No lo hace por chingar, sino más bien porque cada uno tiene su propia respuesta, cada uno debe aprender a lidiar con aquello que inquieta su conciencia. Podés asumir tu responsabilidad tanto individual y social y procurar un cambio o hacer las de Georges el "exitoso" tipo acomodado, que al final se toma dos aspirinas, cierra las cortinas y se toma una siesta, porque aquí no ha pasado nada.


PD: Hasta anoche procuré bajar "El listón blanco" lica por la cual Heneke ganó la Palma de Oro en el último Festival de Cannes. La primer versión bajó con una codificación errada y la segunda era con subtitulos rusos y este y mi alemán son iguales a la política guatemalteca (pura mierda), entonces esa quinta lica se las quedo debiendo pero mañana le hago entrada a mi película favorita y en mi opinión, la más polémica, de Michael Haneke La Pianiste.

Haneke: Funny Games (1997 & 2007)

El ya famoso video de Rosenberg generó las reacciones que todos conocemos, con todo el respeto del caso, pero tuvo los ingredientes de thriller político. Luego nos enteramos de la terrible noticia del asesinato de las hermanitas Wendy, Daina y Heidy pero está no caldeó los ánimos como para otro "tsunami blanco". De política y movilizaciones sociales que otros hablen, hoy aquí nos concentramos sobre la violencia es retratada y como es que nosotros reaccionamos ante la misma. La cifra de asesinatos al día es similar a la de un país en guerra, a pesar de esto las portadas de la prensa hablan de los relevos en la Policía Nacional, Petrocaribe y corrupción en las Muni. y las multas para los motoristas. Ya adentro en noticias más cortas nos enteramos de los asesinados y los muertos. Para sus familiares en estos momentos lo que menos les importa es tener un chaleco para la moto, los 248 millones de dólares de petrocaribe y los hueveos de la muni ¿o si? La edad media del chapín es de 20 años y si partimos desde 1960 fecha en la que se marca el inicio del conflicto interno, podríamos hablar de casi tres generaciones (tomando como una referncia esos 20 años) que han nacido y crecido en "Guatebalas". Crecemos viendo, oyendo, leyendo y en muchos casos sintiendo la violencia y por eso muchos artistas se inspiran en esta para su obra sea escrita, musical, retratada, pintada o filmada. ¿Se justifica esto? Personalmente defiendo la libertad artística pero esa libertad va de la mano de la libertad de crítica del espectador quien es quien al final ayuda a trascender al artista y su obra. ¿Es necesaria tanta violencia para transmitir un mensaje? Si esto es malo entonces ¿quién tiene la culpa, el creador o el espectador? ¿La oferta o la demanda?


En 1997, Michael Haneke nos presenta otra película más en la que trata el tema de la violencia. Esta vez de una forma más profunda y perturbadora. Casi como burlándose tanto de las casas productoras de hacer películas con altísimos grados de violencia pero esta vez responsabilizando al espectador por ver e incluso gozar de esta violencia es que Haneke filma Funny Games (Juegos Divertidos). La trama es sencilla, una familia compuesta por un padre, una madre y su pequeño hijo es secuestrada en su cómoda casa de campo por un par de jóvenes que los sádisticaemnte los aterrorizan, humillan y torturan (una tortura psicológica y en ocasiones física). Existen dos versiones completamente iguales de la película, la original alemana de 1997 y una gringa del 2007. Las únicas diferencias son los actores, el idioma, el lugar y me imagino que el equipo de producción. El guión y la trama son idénticos. A la larga la alemana es mejor (claro, bajo los objetivos de la película) es más fría, fluye mejor y es mucho más molesta para el espectador que la versión gringa. Esta última cuenta con actores más conocidos como Tim Roth como el papá, Naomi Watts como la mamá y Michael Pitt como uno de los jóvenes psicopatas. Honestamente, los actores no cambian mucho el producto final.


La película incomoda a cualquiera por la forma en que ambos jóvenes aterrorizan a la familia. Su forma de hablar, su desinterés por las víctimas, su ropa de navegantes acomodados y guantes blancos. Ambos resultan malcayentes para el espectador. Desde un inicio es molesto ver como estos, cuales pedros por su casa, invaden el círculo privado y de seguridad de la familia. Luego resulta más molesto cuando uno de ellos se dirige a la cámara y habla con el espectador (es una parte importante en la película cuando el rufián ve a la cámara como viéndolo a uno y sonrie - se ve en ambas fotos; primero Arno Frisch en la versión alemana y luego Michael Pitt en la gringa) haciéndolo así cómplice del martirio de la familia. Haciendo un primer enlace con un post de Ixmucané, el director Haneke en una entrevista nos relata como crea esta complicidad entre los psicopatas y el espectador. Uno, ya sea en el cine o en su hogar, puede levantarse y marcharse o en el segundo caso cambiar o apagar. Si no lo hace, es porque su propio morbo lo lleva a segur con este macabro y sadista juego, esto a pesar de que uno de los psicopatas ya le ha advertido a uno, que las cosas no tendrán un final feliz.

Los psicopatas encarnan la burla sobre los productores y los espectadores; los creadores y los receptores; la oferta y la demanda... dos "niños bien", educados, bien vestidos, incluso hasta agradables. Paul y Peter (Pablo y Pedro) pero que también se refieren a si mismos como Tom y Jerry o Beavis y Butthead. Su sonrisa e indiferencia es análoga a la del espectador que tranquilamente puede ver una lica de Stallone, Schwarzenegger o Willis y termina con una sonrisa en el rostro pero que le resulta incomodo ver como dos pizados le piden a una mamá que se empelote frente a ellos, a su esposo y su hijo a quien le cubren la cabeza con la sobrefunda de un cojín para, según ellos, preservar la "moralidad". Ambas versiones de Juegos Divertidos son películas incomodas, nada fáciles de digerir y que a menos que uno se pregunte las razones del director o las razones sociológicas de las mismas, le pueden parecer a uno como una vil mierda de película. Pero si uno logra ver el por qué de las mismas tal vez puede entender mejor la crítica a los excesos violentos en el arte, particularmene en las películas. Pensando en la nueva película guatemalteca de Casa Comal y realizando un segundo enlace con Ixmucané vuelvo a pienso en lo que ella dice y luego pregunto ¿en donde cae la responsabilidad de tanta violencia en las licas?

Fotos: gugul.

PD: Faltan tres días de la semana y tres licas más de Haneke.

PD2: Por el sol cabrón que lo tengo cabal frente a mi ventana, me tomo un break y regreso a la madrugada que esta chingadera no la aguanto... que llueva, que llueva, la virgen de la cuevaaaa...

PD3: Otro tatuaje pronto, ¿pero qué? ni yo lo sé aún... ¿sería mulada o acierto en estos tiempos de reality, someterlo a la voluntad del voto en la blogósfera?

Haneke: Code Inconnu

Los festivales de cine son un mostrador de lo que está circulando o está por hacerlo en las pantallas del mundo (bueno en algunas). Los Oscars le tiran la chibolita a las producciones gringas o de habla inglesa pués, mientras que los europeos como Cannes, Venecia, Berlín, San Sebastián son mucho más inclusivos, presentando un menú verdaderamente internacional. Los premios no paran de ser subjetivos, pero son la mejor medida de lo que es la calidad. Acaba de pasar Cannes, que de no haber sido por Ixmucané (gracias totales) quien tan puntualmente nos trajo el festival a nuestras pantallas no me hubiera animado a sacar los siguientes posts.

El gran ganador del festival fue el Austríaco nacido en la vecina Alemania Michael Haneke. Producto del matrimonio de una actriz y un actor, Haneke estudió filosofía, psicología y luego drama antes de empezar a trabajar como crítico de cine para después filmar programas para la televisión alemana y luego hacer películas. De ver sus películas se puede apreciar su atención al detalle, a la edición y a involucrar al espectador. Las películas de Haneke no son de entretenimiento puro, sino más bien reflectivas. Sin embargo, Haneke se va por un camino polémico para transmitir sus mensajes. Sus historias se llevan a cabo en la cotidianidad, en la rutina de las personas de "todos los días" y de repente, como una bofetada con guante de seda blanco, nos introduce elementos verdaderamente molestos, perturbadores y macabros. Lo más molesto es que son cosas propias del ser humano, nada que se ve "solo en las películas" sino que sabemos que suceden (y que hemos hecho) pero que ignoramos con toda la hipocresía del caso. Esa hipocresía es la que Haneke parece atacar pero más bien es una opción la que sus películas le presentan al espectador, si no la quiere ver salga del cine o apague la caja boba. Lo jodido suele ser que no podemos hacer lo mismo con nuestras vidas.

Solo puedo hablar de las que he visto y por eso he decidio empezar con Code Inconnu: Récit incomplet de divers voyages cuyo título libremente traducido vendría a ser "Código Desconocido: Historias incompletas de diferentes viajes". Estelarizada por la fabulosa Juliette Código Desconocido nos presenta diferentes historias que se entrelazan unas con otras pero que en todas el denominador común es el lenguaje y la comunicación.

Haneke nos presenta situaciones en donde no es suficiente usar las mismas palabras para comunicarse e incluso los mismos gestos. Parece inevitable que muchas veces nuestro entorno social, cultural, racial y religioso habla más que nosotros. Ambientada en Francia inicialmente, vemos como un patojo le tira el envoltorio de su croissant (o media luna pués) a una indingente en la calle. El chico es enfrentado por otro jóven un poco mayor, un muchacho negro que lo quiere obligar a que le pida disculpas a la indingente, llega la policía sueltan al chavito que tiró el papel, el jóven negro que lo enfrenta es detenido y la indingente quien no habla francés es eventualmente deportada a su país natal, Rumanía. A partir de este incidente vemos como se desarrollan varias historias: la del muchacho negro que resulta ser un buen chico hijo de imigrantes de Malí, pero con una actitud más occidental que la de su familia cuya novia es una chica parisina blanca; luego vemos a la familia de este, su hermanita sordomuda y los adultos de la familia que culpan a los "blancos occidentales" de todos sus males; el jovencito francés, rebelde y hablador que no se siente querido por su padre, un granjero en las afueras de Paris que tampoco logra comunicarle a su hijo el cariño que tiene por él; la historia de María la imigrante de Rumanía que a pesar de los dura de la vida en su tierra natal prefiere abandonar a su familia, a sus amigos y la solidaridad de su pueblo y sus vecinos para estar en Paris, en el Bulevar Saint-Germain aunque sea limosneando en las aceras; y finalemnte la historia del personaje de la Binoche, Anne, una actriz capaz con mucha seguridad capaz de encarnar personajes complejos pero que demuestra muchas inseguridades en su vida personal.

En todas las historias vemos que el lenguaje no lo es todo en la comunicación. Vemos lo difícil que resulta para todos ser entendidos y darnos a entender tanto en un grupo pequeño y solidario como es el pueblo de María en Rumania, cuando esta acude a una boda y baila y la pasa de maravilla, para hacer un gran sacrificio por ir a mendigar a Paris. O Anne, que puede ser una fría mujer de alta sociedad o una afectiva madre en sus películas pero que es frágil como una muñeca de porcelona cuando un jóven imigrante árabe la maltrata en el metro ante la indiferencia de los demás. Más que paradojas e incomprensiones, Haneke nos pinta como somos, capaces de comunicarnos pero no de entendernos. Código Desconocido resulta más una película experimental en al que cada escena es una historia en si, que al ser unida con el resto nos logra comunicar que tan complejos podemos ser.


PD: a pesar de haber buscado, no encontré versión en español o con subtitulos e internet, en torrentz la encontré con subs en inglés.

PD2: Happy hour de Mojitos en el Calzoncitos, Barra Show en donde hablamos del club social, la OEA y el regreso de Cuba al mismo. Salud!